Искусство = Потребление
«Предметы потребления становятся знаками, а знаки — искусством.» Интерпретация идей Жана Бодрийяра
Рубрикатор
- Концепция
- Исторический контекст возникновения поп-арта
- Искусство тиражирования: объект, дизайн и музыка [3.1] От предмета к художественному объекту [3.2] От объекта к тиражу [3.3] От тиража к культу [3.4] Музыка как тиражируемый образ
- Скульптура и городская среда
- Заключение
- Библиография
- Источники изображений
Концепция
Поп-арт — одно из ключевых художественных направлений второй половины XX века, возникшее на пересечении искусства, рекламы и массовой культуры. Художники поп-арта обратились к изображениям, знакомым каждому человеку: упаковке товаров, комиксам, фотографиям знаменитостей, рекламным плакатам и бытовым предметам. Используя эти образы, они показали, что искусство может существовать не только в музеях, но и в повседневной жизни.
Поп-арт стал визуальным языком, который впервые настолько тесно соединил искусство и массовое потребление, что граница между товаром и произведением искусства оказалась практически стёрта.
В основе исследования лежит гипотеза: поп-арт показал двойственную природу массовой культуры: превращая повседневные предметы в искусство, он одновременно сформировал культ потребления.
С одной стороны, поп-арт иронизирует над рекламой, брендингом и серийным производством, выявляя механизмы массовой культуры. С другой стороны, он сам становится частью этой системы, превращая товары, бренды и визуальные знаки в объекты эстетического восхищения и культурного поклонения.
Исторический контекст возникновения поп-арта
Поп-арт как художественное направление формируется практически одновременно по обе стороны Атлантики, однако его истоки и контексты в Великобритании и США заметно различаются.
В Великобритании поп-арт зарождается в условиях послевоенной реальности, когда страна переживает экономические трудности и дефицит. На этом фоне особый интерес вызывает американская массовая культура, воспринимаемая как символ изобилия, комфорта и яркой потребительской жизни. Рекламные плакаты, журнальные образы, упаковка товаров и визуальные клише общества потребления становятся для британских художников одновременно источником вдохновения и предметом критического анализа.
Обложки журнала LIFE Magazine, 1950-е
Рекламы Coca-Cola, 1950-е
Ключевую роль в этом процессе сыграла «Независимая группа» (Independent Group), сформированная в Лондоне в 1952 году. Участники объединения первыми начали системно анализировать влияние рекламы, кино, комиксов, промышленного дизайна и медиа на современную культуру. Их практика заложила теоретическую основу поп-арта и утвердила принцип работы с повседневными образами как с полноценным художественным материалом.
«Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» Ричард Гамильтон, 1956 г.
«…кино, научная фантастика, реклама, поп-музыка. Мы не испытываем той неприязни к массовой культуре, которая распространена среди интеллектуалов. Напротив, мы принимаем её как факт, подробно обсуждаем и с энтузиазмом потребляем», — писал Лоуренс Аллоуэй.
Эдуардо Паолоцци, «I was a Rich Man’s Plaything», 1947
Тем временем в Соединённых Штатах в середине 1950-х годов художественная сцена развивается в ином направлении, характеризующемся стремлением выйти за пределы традиционных рамок «высокого искусства». Художники всё активнее обращаются к предметам массовой культуры, повседневным объектам и промышленным материалам, стремясь сделать искусство более открытым, демократичным и понятным широкой аудитории, что подчёркивает его доступность и неразрывную связь с повседневной жизнью.
Марсель Дюшан, «Фонтан», 1917 // Фернан Леже, «Джоконда с ключами», 1930
Стюарт Дэвис, «Rapt at Rappaport’s», 1951-1952 // Джаспер Джонс, «Три флага», 1958
Искусство тиражирования: объект, дизайн и музыка
Искусство тиражирования в поп-арте связано с расширением визуальной культуры массового общества, что приводит к радикальному изменению отношения к предмету. Обычные товары и массовые изображения перестают быть лишь частью повседневности и становятся полноценным художественным материалом. Художников интересует не уникальный сюжет, а уже знакомый каждому образ, существующий в магазинах, журналах и рекламе.
От предмета к художественному объекту
«Coca-Cola» // «Зеленые бутылки Coca-Cola» (Green Coca-Cola Bottles) Энди Уорхол, 1962
Обычная бутылка становится универсальным знаком потребительской культуры и символом стандартизированного опыта.
Рой Лихтенштейн, «Whaam!», 1963. // Оригинальная панель из комикса All-American Men of War № 89, Ирв Новик, 1962
Рой Лихтенштейн, «Утопающая девушка», 1963 год //сюжет из комикса DC Secret Hearts № 83, история «Run for Love!», Тони Абруццо, 1962
Рой Лихтенштейн берёт за основу готовые комиксные изображения, но переосмысляет их с совершенно иной точки зрения. Он обрезает исходные кадры, упрощает композицию, вводит характерную точечную структуру и усиливает графическую условность, превращая массовую иллюстрацию в самостоятельное произведение искусства. В результате знакомые сцены теряют свою исходную «читаемость» и приобретают новый характер и значение, где сама форма тиражируемого изображения становится предметом художественного анализа и отражением культуры потребления.
«Банка супа Кэмпбелл» // «Банка супа Кэмпбелл с разорванной этикеткой» Энди Уорхол, 1962
В этих работах повседневный товар превращается в художественный объект, а затем его идеальный рекламный образ нарушается, раскрывая условность и хрупкость символов массовой культуры.
Уэйн Тибо, «Витрина с пирожными», (Cakes, 1963).